Países del Mercosur y la UE fortalecen sus cinematografías

■ John Malkovich presentó en San Sebastián Burn After Reading, de los hermanos Coen

■ Dirigirá una obra de teatro en México, adelantó

Carlos Paul (Enviado)


San Sebastián, 21 de septiembre. Tras dos años de negociaciones, los países miembros del Mercosur –Argentina, Brasil, Paraguay y Uruguay– más los asociados –Venezuela, Bolivia, Chile, Perú, Ecuador y Colombia–, y los de la Unión Europea (UE), firmarán un acuerdo de cooperación en diciembre próximo, por tres años (2009-2011), denominado Mercosur Audiovisual.

La iniciativa cuenta con un presupuesto de “un millón y medio de euros, aportados por la UE, además de una contrapartida mercosureña de 360 mil euros”, adelantó Eva Piwowarski, secretaria técnica de la Reunión Especializada de Autoridades Cinematográficas y Audiovisuales del Mercosur (RECAM), dentro del Festival de Cine de San Sebastián.

El proyecto de cooperación integra “la armonización de la legislación en el sector en los países del Mercosur, el fortalecimiento del sistema de información denominado Observatorio Mercosur Audiovisual, así como la creación de una red de 30 salas digitales, la conservación del patrimonio audivisual y la capacitación profesional y técnica del sector audiovisual”.

La firma del convenio intenta consolidar una visión estratégica conjunta que pueda contribuir a fortalecer las relaciones entre las cinematografías de ambas regiones.

“En la medida en que se consoliden esos espacios de cooperación, reciprocidad y complementación, se podrá fortalecer la presencia en las salas de las nuevas tecnologías, para la gran diversidad de expresiones audiovisuales latinoamericanas y europeas”, agregó Piwowarski.

La inquietud por desarrollar un convenio de cooperación con la Unión Europea tiene su antecedente luego de haber sido constituido el Mercosur, momento en el que también se propuso la creación de la RECAM, organismo oficial a cargo del tratamiento de las políticas sectoriales en el proceso de la integración regional, cuyo propósito es “desarrollar mecanismos destinados a promover la complementación y la integración cultural y económica de las industrias cinematográficas y audiovisuales de la región”.

El Mercosur, dijo la promotora, integra alrededor de 240 millones de habitantes.

La UE y Latinoamérica, añadió, “aun cuando son diferentes en cuanto a dimensiones, tienen los mismos problemas, entre ellos dar la batalla frontal al cine hollywodense”.

Los Coen y Malkovich, presentes

Dirigida por los hermanos Coen –conocidos también por el seudónimo de Roderick Jaynes–, el reconocido actor y también director de cine y teatro John Malkovich presentó aquí la más reciente cinta de los Coen, la comedia Burn After Reading (Quemar después de leer), la cual protagoniza, y que se proyectó dentro de la sección de Zabaltegi, del Festival de Cine de San Sebastián.

El actor y director de 54 años, quien lucía un vistoso saco diseñado por él, habló de su experiencia al trabajar con Joel y Ethan Coen, quienes se han colocado entre los mayores exponentes del cine independiente estadunidense.

“El trabajo de director es muy difícil, es mucha la presión; tengo cierta simpatía hacia ellos. He trabajado con muchos directores, desde principiantes hasta con quienes ya tienen una larga trayectoria. Intento ser siempre abierto para que logren lo que se proponen”.

Burn After Reading es una comedia de hilarantes escenas, que gira en torno a las situaciones de un analista de la CIA, quien llega al cuartel general para una reunión ultrasecreta. Para su desgracia, el secreto sale a la luz: lo han despedido, por lo que se entrega a escribir sus memorias y a la bebida. Además, su esposa le es infiel con un agente federal casado. Ella es empleada en un gimnasio y sólo piensa en hacerse la cirugía plástica total y decide confiar su plan a su amante. Es cuando un disco con las memorias del analista de la CIA cae en manos de ambos, quienes deciden sacar provecho y se precipitan una serie de divertidas situaciones.

“Es una comedia –en todo el sentido de la palabra– de un grupo de cretinos alocados”, comentó Malkovich, pero también aborda, aunque a un nivel más profundo, el peligro o la amenaza a los sueños.

“El mundo está lleno de personas que creen que lo que ocurre en la película es una idea fantástica: pagar una cirugía plástica, vender secretos de Estado, eso me parece normal en el mundo en el que vivimos, pero lo que me parece peligroso, es que el mundo piensa que si se cambia una cosa aquí o allá la vida será perfecta.”

Al preguntarle respecto de las próximas elecciones en Estados Unidos, el creador cinematográfico declinó responder: “no me gusta hacer comentarios sobre la política, no es mi trabajo”; lo mismo dijo sobre dar consejos a quienes intentan dedicarse a la actuación o dirección; sin embargo, expresó: “Hace 20 años hubiera recomendado leer el discurso del Premio Nobel, William Faulkner, que habla sobre el porqué del trabajo de los creadores, pero hoy día, tal como está el mundo, no sé si lo recomendaría o no sabría qué decir”.

Malcovich destacó que por los tiempos de producción dirige más teatro que cine, y que “hasta cierto punto soy un outsider en todas partes; estoy acostumbrado y no me preocupa, particularmente no me siento más outsider en Hollywood que en cualquier otro lugar del mundo”.

Para concluir, adelantó sin ofrecer más detalles, que estará en México el próximo 7 de octubre para dirigir una obra de teatro que se tiene proyectado estrenar el 27 de noviembre.

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Coppola «avisa» a los alumnos: el cine no les hará ricos

Jueves, 18-09-08
A. RICA

ALICANTE. Confiar en sí mismos, dejarse llevar por la intuición, la creatividad y no dejar nunca de ser un niño son algunos de los consejos que el cineasta norteamericano Francis Ford Coppola ofreció ayer a los alumnos del centro de estudios de Ciudad de la Luz, en el transcurso de una clase magistral, de aproximadamente dos horas y media, en el salón de actos del centro académico.

A la salida, algunos de ellos no podían disimular la emoción de haber compartido espacio y tiempo con el director, que en estos momentos se encuentra finalizando en los platós alicantinos el rodaje de «Tetro».

Lo primero que llamó la atención de los estudiantes fue la cercanía de Coppola. Así, el director rechazó sentarse en un sillón que le habían colocado en el escenario del salón de actos y prefirió acomodarse en una silla a la misma altura de los alumnos. «Me ha impresionado su humildad y su capacidad para acercarse a los jóvenes y sacarnos la espontaneidad», señala Eliana mientras casi se seca las lágrimas producidas por la emoción. Otros alumnos explican que los días previos estaban más nerviosos, pero su cercanía y sencillez les ha tranquilizado.«Enseguida ha roto el hielo», señala Fermín, quien comparte opinión con lo que Coppola piensa del cine. «Lo considera como una forma artística para expresar sentimientos y no para hacerse rico.«Ha dicho que quien quiera hacerse rico debería buscar otra profesión». El cineasta también animó a los alumnos a aprender interpretación para poder transmitir sensaciones. En la actualidad, «los mejores directores son actores», sentenció.


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El Festival de Cine de San Sebastián despliega su alfombra fucsia

,Parece que este año la gran novedad del Festival de Cine de San Sebastián que hoy comienza no tendrá que ver con sus participantes, la mayoría viejos conocidos en su sección oficial –Winterbottom, Kim Ki-Duk, Samira Makhmalbaf o Javier Fesser- sino más bien con el color fucsia de la alfombra por la que pasarán sus ilustres invitados. Dos de ellos, Antonio Banderas y Meryl Streep, serán homenajeados con el premio Donosti, mientras que uno de los grandes de la gran pantalla como Woody Allen aprovechará la sección Zabaltegui para presentar junto a dos de sus protagonistas, Javier Bardem y Rebecca Hall, su último trabajo: Vicky Cristina Barcelona.

Con una ceremonia en la que harán de maestras de ceremonias Edurne Ormazábal y Belén Rueda, se dará comienzo al Festival con la película The Other Man, de Richard Eyre, director de Iris o Diario de un escándalo, y que cuenta con la participación de Antonio Banderas, Liam Neeson y Laura Linney. La cinta se presentará fuera de concurso al igual que The Brothers Bloom, que clausurará el certamen, El niño del pijama de rayas y Tropic Thunder, la nueva locura de Ben Stiller como director tras Zoolander.

Además de presentar Rachel Getting Married, vista en Venecia, y el documental Neil Young Truck Show, Jonathan Demme presidirá un jurado del que formará parte, entre otros, Leonor Watling, y que se enfrentará a una sección oficial con varios puntales destacados. Michael Winterbottom, cuyo nombre surge por quinta ocasión en alguna de las secciones de San Sebastián, participará con Genova, una cinta protagonizada por Colin Firth. El cineasta inglés optó en dos ocasiones anteriores al premio principal, fue objeto de una retrospectiva en 2003 y mostró en la sección Zabaltegi-Perlas su celebrada 24 Hour Party People.

Inevitable presencia asiática

El coreano Kim Ki-duk presenta una original y onírica historia de amor en Bi-mong (Dream), tras haber recibido en 2005 en el mismo certamen el Premio Fipresci de la crítica internacional por Hierro 3 y haber ganado dos años antes el Premio del Público en la sección Zabaltegi-Perlas con Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera. También desde Asia vuelve el japonés Hirokazu Kore-eda, quien ya concursó en San Sebastián hace una década con After Life y en 2006 con Hana y que ahora compite con el drama Aruitemo, Aruitemo (Still Walking). Ulrich Thomsen, ganador de la Concha de Plata al mejor actor en 2004 por Hermanos, regresa a San Sebastián como protagonista de Fear Me Not, del director danés Kristian Levring, considerado uno de los impulsores del movimiento Dogma 95.

Otras películas que competirán por la Palma de Oro son El nido vacío del argentino Daniel Burman, la francesa La belle personne de Christophe Honoré, la directora iraní Samira Makhmalbaf con El caballo de dos patas o Layla's birthday, del palestino Rashid Masharawi. Las tres películas españolas que participarán serán Tiro en la cabeza, del último ganador del Goya, Jaime Rosales; Camino, de Javier Fesser; y El patio de mi cárcel, el debut de Belén Macías con producción de El Deseo, propiedad de los hermanos Almodóvar.

No hay que perder de vista la sección Zabaltegui, que recoge las perlas de otros festivales. Este año además de Vicky Cristina Barcelona, John Malkovich, a falta de sus otros protagonistas, Brad Pitt y George Clooney, defenderá la comedia Burn After Reading de los hermanos Coen, mientras que Mike Leigh –director de Secretos y mentiras- presentará Happy go Lucky y Laurent Cantet, la flamante ganadora de la Palma de Oro de Cannes, La clase, una cinta muy al estilo de otra ganadora en La Croisette, Hoy comienza todo.

Para aquellos que todavía les queden ganas de más, la organización ha preparado tres retrospectivas: una dedicada a un clásico del cine italiano, Mario Monicelli; otra del cine negro japonés y otra a un cineasta más contemporáneo, el británico Terence Davies.

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Madrid: La Academia elige hoy la terna para los Oscar

'Los girasoles ciegos', 'Sangre de mayo' y 'Siete mesas de billar francés', preseleccionadas para la carrera a los Oscar

La segunda votación, el 26 de septiembre, será la que elija la candidata oficial al galardón

Las películas Los girasoles ciegos, Sangre de mayo y Siete mesas de billar francés, dirigidas por José Luis Cuerda, José Luis Garci y Gracia Querejeta, respectivamente, han sido seleccionadas por la Academia de Cine para optar a representar a España como Mejor Película en Lengua Extranjera en la 81 edición de los Oscar de Hollywood.

La Academia de Cine dio a conocer hoy en Madrid, durante una rueda de prensa en la sede de esta institución, la terna de películas seleccionadas.

Pero sólo una de ellas será la elegida. Habrá que esperar al día 26 de septiembre para conocer el título de la cinta más votada de entre las tres, que será la que representará la candidatura por España, para su posterior selección en los Oscar.

En la lectura pública de las tres películas seleccionadas, mediante votación por los miembros de la Academia, estuvo presente la presidenta de la Academia, Ángeles González-Sinde, Enrique Urbizu vicepresidente de la Academia y el notario del Ilustre Colegio de Madrid, Luis Rueda.

Responsable de cintas como El bosque animado o La lengua de las mariposas, José Luis Cuerda ha asegurado: "ojalá que sea elegida por la Academia de España y la de Hollywood, esta película se lo merece, y si lo es iré acompañado por Maribel Verdú, que tiene experiencia en estas cosas".

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Gana cinta de Danny Boyle el Festival Internacional de Cine de Toronto

Reuters

Toronto, 13 de septiembre. Slumdog Millionaire, un tributo a Mumbai y una historia sobre un sueño, ganó el sábado el premio mayor del Festival Internacional de Cine de Toronto, cerrando un evento de bajo perfil al que muchos estudios prefirieron no enviar sus mejores películas.

La película ganadora, dirigida por el británico Danny Boyle, se estrenará en los cines de Estados Unidos el 28 de noviembre. Relata la historia de un adolescente de los barrios pobres de India que gana la posibilidad de volverse millonario en un programa televisivo de juegos.

El filme recibió una entusiasta recepción de los espectadores de Toronto, y la actriz Freida Pinto aceptó el premio Cadillac People en nombre de Boyle.

“Hay muchos primeros para mí en esto”, dijo la actriz. “Es mi primer premier, mi primera vez tratando con la prensa, y ahora es mi primer premio”, dijo la actriz.

“Slumdog Millionaire es una película sobre un desamparado que cree en algo”, agregó.

El festival de Toronto, donde el mayor premio es determinado por el público más que por expertos de la industria u otros participantes, comenzó el 4 de septiembre con Passchendaele, un romance parcialmente ambientado en las trincheras de la Primera Guerra Mundial.

Los críticos se vieron abrumados por muchas de las películas que se ofrecían, y Hollywood está claramente guardando algunos de sus contendientes más importantes para más adelante en el año.

“Fue un año difícil”, dijo en la recepción final el presidente ejecutivo Piers Handling. “La gente sintió que algunas de las películas que tomaron el otoño pasado no se desempeñaron muy bien, así que había una sensación de leve tristeza y depresión”.

Otros ganadores al final del festival incluían Hunger, sobre el huelguista de hambre del IRA, Bobby Sands, y Disgrace, una historia de padre e hija basada en la sombría novela ganadora del premio Booker del escritor sudafricano J.M. Coetzee.

El premio mayor del festival del año pasado fue para la película sobre la mafia rusa Eastern Promises, que luego obtuvo una postulación al Oscar como mejor actor para Viggo Mortensen.

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ROBERT DE NIRO Y AL PACINO, DOS GRANDES DEL CINE, PRESENTAN SU NUEVA PELÍCULA EN MADRID

Ambos han coincido en otros dos 'filmes' pero 'Asesinato justo' es el primero en el que actúan juntos

14 SEPTIEMBRE 2008

Sus rostros no sólo reflejan el paso de los años. En ellos vemos también el sinfín de personajes que han representado en sus dilatadas carreras cinematográficas. Robert de Niro y Al Pacino aterrizaron ayer en Madrid para presentar su último trabajo, Asesinato justo, una película en la que se han puesto a las órdenes del director John Avnet y que ha supuesto el reencuentro sobre un escenario de dos grandes del cine internacional. A las cinco de la tarde, el madrileño Paseo del Prado de la capital acogía a multitud de fans, que se habían acercado hasta el Hotel Ritz en el que se hospedan en busca de un autógrafo o una foto junto a sus ídolos.

Juntos ofrecieron una rueda de prensa y posaron ante los medios en los cines Kinépolis, donde se proyectó el filme. Robert de Niro, ganador de dos Oscar y nominado en otras cuatro ocasiones, se mantuvo algo más callado, dejando que fuera su colega de profesión el que revelara detalles del rodaje y de sus vidas a los periodistas. Al Pacino señaló a Marlon Brando como “el mejor actor” que ha dado el cine estadounidense. “Marlon es nuestro favorito, pero trabajar con Bob –así es como llama a su compañero- da menos miedo”, bromeó.

Ambos hicieron un repaso a sus carreras. Ésta es la tercera película en la que coinciden, pero nunca habían compartido escenario más de cinco minutos. “Sí es cierto que ambos trabajamos en El Padrino II, pero no compartimos escena. En Heat el único momento en el que nos veíamos las caras era una toma de apenas cinco minutos. Se puede afirmar que ésta es la primera vez que, de verdad, trabajamos juntos”, afirmó Al Pacino. Pese a ser veteranos en su profesión, ambos afirman que cada papel supone empezar desde cero. “Cualquier papel es un reto. Muchas veces lo más sencillo se convierte en lo más complicado para un actor”.

De boxeadores, taxistas, policías...

Asesinato justo (que se estrenará en España el próximo 3 de octubre) les ha llevado a encarnar el papel de dos detectives de Nueva York en la etapa final de su carrera cuyo último caso les lleva a enfrentarse a un asesino en serie. El rodaje se ha realizado en un tiempo récord: 36 días. Son dos actores que lo han demostrado todo frente a una cámara. De Niro ganó 27 kilos para ponerse en la piel de un boxeador en Toro salvaje y ejerció de taxista en Nueva York durante tres meses antes de rodar Taxi driver. Al Pacino aprendió a armar y desarmar un arma con los ojos vendados para su papel de ciego en Esencia de mujer, película por la que ganó un Oscar. De Niro comenta que el hecho de hacerse mayores, ambos ya han sobrepasado la barrera de los sesenta, también altera el tipo de papel que les ofrecen: “Cuando vas envejeciendo, se va haciendo más difícil todo. Cuando yo empezaba me proponían papeles de padre y ahora estoy esperando que me den de abuelo”.

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Frases Geniales

Natalie Portman: Mujer de cine

A pesar de su éxito como actriz, Natalie Portman, de 27 años, no exhibe ese ego de estrella hollywoodense, prefiere mantener un bajo perfil y utilizar su tiempo y energía en otras cosas, como fue su primera incursión como directora con el cortometraje

Corregida

Comenzó en la gran pantalla siendo una niña, pero ha sabido adaptarse a cada etapa, no perdió su adolescencia y supo compaginar sus estudios con una vida de estrella sólo cuando la iluminaban los focos.

Con 27 años ha dado el salto a la dirección tímidamente. Un cortometraje ha sido su punto de partida, como siempre con éxito.

Tras debutar con el cortometraje Eve y pese a que está adaptando para el cine la autobiografía de Amos Oz, Una historia de amor y oscuridad, la actriz Natalie Portman no se ve con fuerzas de realizar un largometraje tras descubrir que “dirigir una película es agotador”, aseguró en Venecia, Italia.

Durante La Mostra (el Festival Internacional de Cine de Venecia), la actriz derrochó una simpatía angelical y dejó entrever su mente privilegiada ante la prensa, confesándose “encantada”, pero “agotada” tras su primera experiencia tras las cámaras.

“Creo que ahora volveré a actuar y luego, bueno, ya se verá. Sí me gustaría hacer un largo[metraje], pero todavía no es el momento”, matizó.

En ‘Eve’, protagonizada nada menos que por Lauren Bacall y Ben Gazzara, la que fuera la ‘lolita’ de Beautiful Girls (1996) retrata las rebeldías de la senectud, cuando los esfuerzos tienen poco espacio para amortizarse y los placeres tienen sabor a epitafio.

“Aunque no lo parezca, me he basado en mi experiencia personal. Me doy cuenta en mí y en mi círculo de amigos de que nos buscamos a nosotros mismos en nuestros padres y abuelos. Hay en ello una búsqueda de nuestro ser original”, explicó la actriz, nacida en Israel.

NADA QUE PERDER

Por eso, al introducir el papel de la nieta —interpretada por Olivia Thirlby—, Portman creó un ‘alter ego’ que demuestra cómo “esos dos extremos que están antes y después de esa generación radical nacida en los años 50 son más parecidos entre sí de lo que pudiera parecer”.

Unos tienen el mundo por descubrir y los otros nada que perder, así que ambos recuperan “el romanticismo que fue eliminado para la generación que ahora está en la mediana edad”, aseguró.

‘Eve’ participa en La Mostra en la sección a concurso de formato reducido Corto Cortissimo, y ha supuesto el encuentro de esta joven pero experimentada actriz —comenzó en 1994 con Léon, de Luc Besson— con una disciplina que le atraía desde hace tiempo.

POR SÍ MISMA

“Trabajar como actriz es muy creativo, pero estás dentro de la obra de alguien. Quería dar un paso más allá y dirigir un proyecto por mí misma”, aunque para ello se haya inspirado en “todo aquel con el que hubiera trabajado antes”.

A la hora de citar uno, se decantó por Mike Nichols, el que la llevó a las puertas del Oscar con Closer (2004), aunque para la dirección de actores recordó el trabajo de Anthony Minghella, que le dio un pequeño papel en Cold Mountain (2003) y falleció el primer día de rodaje de ‘Eve’.

“Me pregunté si tenía sentido seguir con la película. Era un hombre muy cariñoso, uno de los mejores, si no el mejor, director de actores con el que he trabajado”, aseguró en tono emotivo.

GENEROSA

El director de The English Patient (1996) no fue el único objeto de los elogios de Portman, que estuvo generosa en este terreno al hablar de todo el equipo de la película, desde Ben Gazzara hasta el músico Sufjan Stevens, aunque empezando con honores por Lauren Bacall.

“Obviamente, como todos los que estamos aquí, la he admirado desde hace muchos años y fue maravilloso trabajar con ella. Es capaz de hacer cualquier cosa”, señaló con referencia a la eterna viuda de Bogart.

Entre sus próximos proyectos se encuentra un ‘remake’ de Brothers, de Susanne Bier (2004), en el que se pondrá bajo las órdenes de Jim Sheridan, y la segunda parte de este primer asalto a la dirección: el fragmento para la película colectiva New York, I Love You.

BUENAS EXPERIENCIAS

“El cine sigue siendo para mí una experiencia maravillosa. Compartir dos horas de tu vida con decenas de personas en una sala y poder comer chucherías con tu acompañante son importantes actos sociales. Ahí dejas tus problemas y vives otras vidas”, afirmó.

Aunque, según confiesa, “es raro encontrar papeles femeninos con fuerza y peso. No me quejo, pero hay que reconocer que la mayoría de los guiones los escriben hombres y ellos hablan de lo que conocen”.

Afirma que no se arrepiente “de ningún trabajo que haya hecho. Sí es cierto que con el paso del tiempo y, viendo algunas cosas, puedo pensar: ‘¡Ojalá tuviera otra oportunidad!’, pero estoy aquí gracias a un conjunto de experiencias, buenas y malas”.

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Filme con Monica Bellucci inaugurará el festival de cine de Roma

Hace 1 día

ROMA (AFP) — La película "El hombre que ama" de Maria Sole Tognazzi, interpretada por Monica Bellucci, inaugurará en octubre próximo la tercera edición del Festival Internacional del Filme de Roma, indicaron este miércoles los organizadores.

El festival, que se desarrollará del 22 al 31 de octubre, presentará también "The Duchess" del inglés Saul Dibb con un elenco de lujo: Ralph Fiennes, Charlotte Rampling y Keira Knightley.

El festival romano, que compite con la Mostra de Venecia, que acaba de clausurar su 65ª edición, espera confirmar el éxito logrado en las dos pasadas ediciones gracias a la elevada presencia de público.

Más de cien filmes serán proyectados durante los diez que durará el certamen, entre ellos "Huit/Eight", un filme internacional contra la pobreza y dirigido por célebres directores como Jane Campion, Gael Garcia Bernal, Gaspar Noë, Gus Van Sant y Wim Wenders.

Durante el certamen, el actor estadounidense Al Pacino y la italiana Gina Lollobrigida recibirán el premio "Marco Aurelio de Oro" por el conjunto de su carrera.


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Mickey Rourke, el retorno del guerrero

A partir del premio que recibió en el Festival de Venecia el film que protagoniza, el actor regresa al primer plano

Por Natalia Trzenko
De la Redacción de LA NACION

"Necesito agradecer a Mickey Rourke por abrir su corazón y su alma a la cámara, por confiar en mí y por darme el honor de recordarle al mundo lo talentoso que es", dijo Darren Aronofsky el último fin de semana cuando recibió el León de Oro en el festival de Venecia por su película The Wrestler . Es cierto, antes de este regreso al reconocimiento internacional, casi todos se habían olvidado de Rourke. Al menos si se trataba de recordarlo como algo más que un actor tan caído en desgracia que hasta la desgracia le quedaba grande. Parece que después del triunfo en la muestra italiana, la pésima suerte del intérprete que prometía tanto y cumplió tan poco comenzará a cambiar. Tal vez sea que se le pegó algo de la buena fortuna de Lucky (suertudo) el perrito que lo acompaña siempre, hasta en la alfombra roja veneciana.

Ya hace tiempo que aquella cara, esa que le conseguía papeles de galán, conflictuado pero galán al fin, en películas como Nueve semanas y media, La ley de la calle o Corazón satánico , ya no es la que era. Ni por asomo. Después de años de excesos y una temporada como boxeador profesional, que hasta lo trajo en 1991 a la Argentina para protagonizar un patético encuentro pugilístico organizado por VideoMatch y visitar el penal donde residía Carlos Monzón (al que, dicen, le alcanzó una trompada para poner en su lugar al actor). Durante años, Rourke pasó de bares de mala muerte a películas de la misma calaña y en el proceso consiguió deformar sus facciones de manera irreparable. Casi como si estuviera haciendo el camino inverso de su personaje en el film Un rostro sin pasado.

Allí,el actor interpretaba a un hombre que había nacido con una seria enfermedad que le daba aspecto de monstruo y que, gracias a una cirugía, se transformaba en una belleza. Claro que fue ese rostro con tanto y turbulento pasado que le permitió al intérprete un regreso lento pero seguro. Pequeños papeles en películas menores pero interesantes como El poder de la justicia, de Francis Ford Coppola, donde conoció a Matt Damon, que comenzaba a recorrer el camino que Rourke se ocupó de dinamitar antes de empezar a disfrutarlo.

"Se sentó conmigo y me dijo: «No le ladres a la gente de Hollywood como yo lo hice. Tenés que llegar a tiempo y ser disciplinado. Yo lo arruiné todo.» Fue el mejor consejo que recibí", recordó Damon cuando le preguntaron sobre sus primeros papeles. A esa participación secundaria le siguieron otras, en las que sus experiencias de vida le prestaron ciertas dosis de cinismo y destrucción como valor agregado. Después de su violento desprecio a Hollywood, el cine independiente le ofreció un nuevo hogar al viejo Mickey, que la semana próxima cumplirá 52 años. Films como Spun, sobre un grupo de adictos a las anfetaminas, y Masked and Anonymous , escrito y protagonizado por Bob Dylan, ambas de estreno directo a video en la Argentina, aprovecharon el talento que quedaba después de las peleas arriba y abajo del ring, de las denuncias de violencia conyugal y de los inclementes bisturíes de los cirujanos plásticos. Y luego, de a poco, gracias a la confianza de directores como Robert Rodriguez, que lo contrató primero para Erase una vez en México y luego repitió en Sin City, la ciudad del pecado, y Tony Scott ( Hombre en llamas ), Rourke volvió al ruedo.

En eso estaba cuando apareció Aranofsky con The Wrestler (ya tiene distribución local, pero por ahora no hay fecha de estreno), y el personaje de Randy The Ram Robinson, un campeón de lucha libre arruinado económica, mental y hasta físicamente que se da cuenta de que todavía le queda tiempo para enmendar algunos errores. Una ficción tan cerca de la realidad que sólo podía salir bien. El hecho de que se hable de una nominación al Oscar para Rourke ya será cuestión de que su chihuahua le haga honor a su nombre.

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Unos 80 títulos concurrirán a concurso en el Festival de Cine Independiente de Barcelona

Un total de 80 títulos, procedentes de 34 países de todo el mundo, concurrirán a concurso entre el 14 y el 22 de noviembre, y que homenajeará al polifacético argelino Tony Gatlif y a los hermanos Paolo y Vittorio Taviani.


2008-09-09

Durante un acto celebrado hoy, el equipo del también denominado "la Alternativa", ha dado a conocer las principales novedades de este año, como el incremento en 3.000 euros de la dotación de los premios, que pasa de 11.000 a 14.000 euros, y la creación de un nuevo galardón: el TeleSur al mejor documental que trate alguna temática latinoamericana, dotado con 5.000 dólares.

Margarita Maguregui ha resaltado el alto nivel de las películas presentadas a concurso -de las 2.200 recibidas se han seleccionado ochenta-, con temáticas muy amplias, aunque predominan las centradas en temas como la emigración o el género de terror.

Como en otras ediciones, la programación arrancará en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y conducirá al espectador que quiera conocer filmes ajenos a los circuitos comerciales hasta las diferentes sedes: los cines Maldá, la FNAC-Triangle, el Instituto Francés, la Casa América, y, por primera vez, el Auditorio del MACBA.

Uno de los ciclos destacados del festival será el dedicado a Tony Gatlif, director, guionista, músico, productor y actor, nacido en Argelia en 1948 y exiliado a Francia, que se ha distinguido en su extensa filmografía por su defensa de las minorías frente a la uniformidad y por su retrato de la cultura y la cosmovisión del pueblo gitano.

Los Taviani serán homenajeados con el pase de los títulos más representativos de su trayectoria: "Allosanfan", "Padre Padrone", "Il prato", "La notte di San Lorenzo" y "Good morning Babilonia".

Otra de las personalidades que tendrá su peso en el certamen es el documentalista alemán Andres Veiel, quien, el día 17 de noviembre, ofrecerá una "masterclass" en la que tratará sobre las fronteras y el mestizaje del documental y la ficción, a la vez que reivindicará una mirada subjetiva de este género contaminado por otros formatos televisivos.

En la sección "Sinergías de la Historia: Con Voz Propia", en colaboración con Casa América y la ONG Mugarik Gabe, se ofrecerán unas catorce películas, la mayoría de ellas latinoamericanas, como "Soy defensor de la selva", del ecuatoriano Heriberto Gualinga Montalvo, o la colombiana "Pa ' poder que nos den tierra", de Mauricio Acosta.

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El cine peruano seduce a Barcelona

Mariana Cantero, Barcelona. Las expectativas de los organizadores de Una mirada al Sur, ciclo de cine peruano que se celebra este año por primera vez en Barcelona, quedaron superadas el viernes pasado en la inauguración, cuando tres horas después del inicio todavía quedaba gente haciendo cola en la puerta. El aforo, limitado a 200 personas, hizo que muchos se quedaran sin poder acceder al auditorio del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA).

Vea aquí qué películas se proyectarán

Asela Sánchez y Dennis Perinango, responsables del ciclo, lamentaron que no todo el mundo pudiera entrar, pero también estaban muy contentos con la respuesta del público, que no en todos los casos sabía muy bien qué era lo que iba a ver.

“Perú es un país de Latinoamérica no tan conocido. Yo siempre digo que tiene uno de los peores departamentos de marketing. No se ven propuestas culturales interesantes que vengan desde allí, y yo, que llegué hace cuatro años, sabía que había mucho que mostrar. Por eso tomamos el compromiso de mostrar lo que se produce culturalmente en el país”, comentaba Perinango.

De hecho, uno de los objetivos transversales del ciclo es el de romper los tópicos. “Muchas veces nos cerramos a la imagen que se nos muestra en una primera mirada, pero siempre hay algo por detrás, una parte cultural que no vemos. Esa barrera uno la rompe cuando viaja, pero no todo el mundo puede viajar. Por eso está bien traer un poquito de los países a la ciudad de uno y a través del cine, un lenguaje universal, intentar que esas barreras se rompan. Yo, por ejemplo, la primera vez que me comentaron de la existencia de la muestra me pregunté: ‘pero, ¿existe cinematografía peruana?’ Y todavía hay mucha gente que se hace esta pregunta. Al visionar las películas y el material te das cuenta de que no solo se hacia hace mucho tiempo ya, sino que tiene una altísima calidad”, explica Asela Sánchez.

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La 'edad de oro' del cine documental británico

El Festival de cine de Huesca y Calamar editan un estudio sobre los orígenes de la escuela documental británica, cuna del trazo realista del mejor cine europeo

Coincidiendo con los primeros balbuceos del cine sonoro y en un periodo de esplendor que llega hasta las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, el Reino Unido se convirtió en el epicentro mundial del cine documental gracias a la afortunada confluencia de una serie de factores políticos, sociales y estéticos que posibilitaron un nuevo modelo de acercamiento cinematográfico a la realidad estrechamente comprometido con una voluntad de cohesión nacional y con la difusión de una nueva imagen del país alejada de los formatos y los clichés propios de la ficción.

Fruto de un ciclo programado por el Festival de Cine de Huesca, ciclo que se hace eco de la exquisita labor de recuperación y restauración de muchos de estos filmes llevada a cabo por el BFI (British Film Institute) en la imprescindible colección de cuatro DVD titulada Land of promise: The british documentary movement (1930-1950), este libro se ocupa de traducir para el espectador y el lector hispano las claves, títulos y nombres de un movimiento que dio luz a obras maestras (sin etiquetas) como Listen to Britain (1942), de Humphrey Jennings, y a autores esenciales del cine documental como John Grierson, Paul Rotha, Arthur Elton, Alberto Cavalcanti, Harry Watt o Basil Wright, sin los cuales resultaría imposible entender (en ocasiones, por oposición o contraste) las claves estéticas ese distintivo trazo realista del cine británico de la segunda mitad del siglo XX que arranca con los jóvenes airados del Free Cinema (Reisz, Anderson, Richardson, Schlesinger, etc.) y que se prolonga hasta nuestros días con autores como Loach, Leigh, Douglas, Frears, Davies, Winterbottom o Ramsay.

Si el primer cine documental está marcado por un sesgo colonialista en el que el otro está determinado aún por las condiciones de explotación y por una mirada al mundo no occidental barnizada de exotismo e ingenuidad, rasgos todos que serán trascendidos por la primera gran obra maestra del género, Nanook el esquimal (1922, Robert Flaherty), a través de un nuevo proceso creativo de implicación-observación-reconstrucción, las experiencias poéticas de la vanguardia europea (Berlín, sinfonía de una gran ciudad, Douro, faina fluvial, El hombre de la cámara, Á propos de Nice) y una película como Drifters (1929), de John Grierson, abrirán definitivamente el nuevo rayecto de un cine que aspiraba a encontrarse con la realidad más cercana con una voluntad política, educativa y social o, en su defecto, a trabajar a partir de ella para crear un discurso autoconsciente ligado al espíritu de modernidad de la época.

Cineasta esencial a la hora de definir algunos de los presupuestos teóricos del cine documental (fue él quien lo bautizó de esta manera), Grierson señala en Drifters el camino a seguir: integrando la herencia de Vertov (el montaje) y Flaherty (un sentimiento poético del mundo), su filme asocia los gestos de los pescadores, los movimientos de máquinas y el vuelo de los pájaros. Trabajo y naturaleza participando de una misma energía, la de la producción de las riquezas de un país en horas bajas.

La película inaugura la fuerte implicación del gobierno británico con el cine documental, que se materializará en la creación de unidades de producción documental asociadas a instituciones estatales como el EMB (Empire Marketing Board) o el GPO (General Post Office). En ese periodo, Grierson funda un taller de producción que genera más de 400 películas (sobre industrias, agricultura, higiene…) en los siguientes diez años: filmes sociales y didácticos ("poner a disposición de la gente aquello de lo que no goza, una percepción viva de lo que pasa, un modelo de pensamiento y de sentimiento que le permita aproximarse a lo que le rodea de una forma útil", escribió el cineasta) que se exhibirán en fábricas, colegios u hospitales. Estas películas se convierten así en una ventana a la realidad del país (incluidos los traumas de la II GM) que tienen como finalidad servir de vínculo entre los británicos: Industrial Britain (1933), Song of Ceylon (1934), Housing problems (1935), Night mail (1936), Children at school (1937), North Sea (1938), A diary for Timothy (1944) o Land of promise (1945) son los mejores ejemplos de esta concepción de un cine ideada para cohesionar un pueblo, pero sobre todo son documentos que testimonian una nación y una época.


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Diego Luna, invitado a festival de cine

En Los Ángeles
AFP

Los Ángeles, California.- Diego Luna, con su primer documental como director, "J.C. Chávez", será una de las figuras invitadas al Festival Internacional de Cine Latino de Los Ángeles, que se efectuará del 12 al 19 de septiembre.

Además de la película sobre el legendario boxeador mexicano Julio César Chávez, Luna será el orador principal y curador de un programa sobre el arte audiovisual, dirigido para jóvenes locales que aspiran a ingresar a este medio de la producción fílmica.

En el programa oficial para la Mejor Película del XII festival, fundado por Edward James Olmos, quien no estuvo presente en la conferencia de prensa, se ha confirmado la participación de "Casi divas", de Issa López, y "Enemigos íntimos", de Fernando Sariñana.

También "Os desafinados" (Brasil), de Walter Lima, y "Los Andes no creen en Dios" (Bolivia), de Antonio Eguino; producciones que podrán ser vistas en salas de los teatros Chino y Egipcio de Hollywood.

El anuncio del Festival Internacional de Cine Latino de Los Ángeles (LALIFF, por sus siglas en inglés), que proyecta destacadas producciones realizadas por hispanos, correspondió a la directora Marlene Dermer, en un acto realizado este día en Hollywood.

En la cartelera se incluyó una proyección especial de la película "El Norte", en su 25 aniversario; "Fraude", el documental de Luis Mandoki; la colombiana "Perro come perro", de Carlos Moreno, y una extensa colección de 52 cortometrajes.

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Apoyo al cine mexicano, el 11 de septiembre

Boletos a sólo diez pesos

Bruno Bichir es la imagen este año, de la campaña de promoción denominada "Cinemark a la mexicana", en la cual se proyectarán 30 películas nacionales el próximo 11 de septiembre en promoción especial, pues el boleto de entrada costará diez pesos.

En conferencia de prensa para conocer el contenido del breve ciclo, el actor exhortó al público para asistir ese día al cine, "pues sólo así podremos hacer algo en beneficio de este arte, que nos pertenece a todos.

"A través de correos electrónicos, mensajes telefónicos, reuniones, cómo sea, pidan a todos que se unan y asistan ese día para disfrutar de 30 títulos que se proyectarán, a través de mil 700 funciones de cine mexicano en un solo día".

Este año se espera una asistencia de más de 100 mil personas, que podrán disfrutar en todos los complejos Cinemark del país, de películas mexicanas exhibidas a nivel nacional, desde septiembre del 2007 y hasta el pasado 1 de septiembre.

Se proyectarán filmes como "Casi divas", "Déficit", "Dos abrazos", "El brindis", "El clavel negro", "Cobrador, in God we trust", "El garabato", "El viaje de la Nona" y "Eros, una vez María", "Hasta el viento tiene miedo", "La leyenda de la Nahuala", "La misma luna", "La santa muerte", "La zona", "Llamando a un ángel", "Luz silenciosa", "Malos hábitos", "Más que a nada en el mundo", "Morirse está en hebreo", "Mosquita muerta" y "Párpados azules".

El llamado de Bichir estuvo respaldado por Vanessa Bauche, Andrea Rodríguez, Alonso Ruizpalacios, Roberto Fiesco, Gustavo Moreno, Arturo Barba, Jorge Ramírez, Andrea Rodríguez y Jesús Magaña.

Resaltaron que deben buscarse alternativas para obligar a nuestros legisladores a modificar el tope en taquilla, buscando alternativas que representen equidad para exhibidores, productores y distribuidores.

Algunos cineastas aprovecharon para comentar su situación y sus proyectos, como Vanessa Bauche, quien anunció que el 29 de septiembre se llevará a cabo la premier de "Bajo Juárez", un documental en el que participó como productora, que se estrenará el 3 de octubre.

Andrea Rodríguez también anunció el estreno de "Cosas insignificantes", su ópera prima, para noviembre próximo; la cinta cuenta con el respaldo de la trasnacional Warner, así como Guillermo del Toro y Bertha Navarro, productores del filme.

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El cine estadounidense triunfa en Venecia con la historia de un boxeador

Hace 23 horas

VENECIA, Italia (AFP) — El cine estadounidense es el triunfador el sábado de la 65a edición de la Muestra de Venecia con la película 'The wrestler', de Darren Aronofsky, un retrato penetrante del ocaso de un boxeador de lucha libre, protagonizada por un extraordinario Mickey Rourke.

La película de Aronofsky, de 39 años, considerado uno los directores de cine estadounidenses más rebuscados e intelectuales, representa la historia clásica de la caída de un héroe, que se niega a aceptar que le llegó la hora de retirarse, que está viejo y vencido. "Este premio lo dedico a los boxeadores de lucha libre, que para entretenernos pierden el cuerpo y el alma. Agradezco a Rourke por haber dado también su alma y su talento a este filme", declaró Aronofsky tras recibir el galardón.

La indomable estrella de Hollywood, que hace más de 20 años estremeció el cine con 'Nueve semanas y media', con Kim Basinger, regresó al cine con una obra impactante ambientada en lugares sórdidos y con gente acorralada. "Hubiera podido regresar con otros directores, pero prefiero filmes íntegros, con los que no temo poner mis cojones en juego", declaró el actor desde el palco donde recibió el premio junto con Aronofsky.

El filme, realizado por productores independientes, convenció al jurado del festival, que reconoció que hubiera querido galardonar también la notable actuación de Rourke y su retrato de un hombre fracasado. "Habría que cambiar el reglamento. Algunos miembros del jurado quedaron con el corazón quebrado", declaró el presidente del jurado, el director de cine alemán Win Wenders, quien espera que se modifique la regla que impide otorgar varios galardones a una sola cinta.

Con una banda sonora magnífica, marcada por el rock duro y puro de Guns N'Roses de los años 1980 y una composición especial de Bruce Springstein, el filme fue elogiado por la crítica, particularmente severa durante esta edición con la selección de películas en concurso por su pobreza cualitativa.

La presencia del estadounidense Mickey Rourke otorgó un toque biográfico y creíble a la cinta, ya que la estrella estadounidense se retiró inexplicablemente en los años 1990, en la cúspide de la fama, para dedicarse a trabajar como boxeador profesional con el alias de 'El Marielito' entre 1991 y 1995.

Aronofsky, quien compitió en 2006 en Venecia con la criticada 'The fountain', se consagra, dos años después, con un drama humano. Representante de un estilo totalmente opuesto es el ganador del León de Plata por la mejor dirección, el ruso Aleksei German Junior, por su filme 'Soldados de papel', sobre el inicio de la conquista del espacio por los rusos. La película, premiada también por la fotografía, relata el momento en que Rusia empieza a modernizarse tras la muerte de Stalin y comienza los preparativos de la carrera espacial.

El director, de 32 años, hijo de uno de los directores de cine rusos más conocidos e intransigentes, no figuraba en el abanico de favoritos.

Con un veredicto salomónico, el jurado le otorgó al maestro del cine africano Haile Gerima el premio especial del jurado por su comprometido filme sobre la historia de Etiopía. Rodado en África y Alemania, 'Teza', relata con imágenes poéticas y a la vez realistas las convulsiones políticas de los años 70 y 80 padecidas por Etiopía bajo el régimen marxista de Mengistu Haile Mariam (1974-1991). El cineasta y escritor africano, quien reside y trabaja como profesor universitario en Estados Unidos, de 62 años, recibió también el premio al mejor guión.

En su película denuncia las purgas políticas del régimen de Mengistu, la decepción y la necesidad de refugiarse en la nostalgia de una generación entera que creyó poder cambiar su país.

El buen estado de salud del cine italiano, premiado este año en Cannes (Francia), fue reconocido a través de la Copa Volpi a la mejor interpretación al actor italiano Silvio Orlando, ícono de emblema del cine de autor contemporáneo, quien ha trabajado en numerosas ocasiones para el director Nanni Moretti.

La actriz francesa Dominique Blanc, protagonista de 'L'autre' ('La otra'), dirigida por los franceses Patrick Mario Bernard y Pierre Trividic, convenció también por su actuación de mujer madura al borde de una crisis nerviosa.

Otros premios menores, entre ellos el cortometraje 'Tierra y Pan', del mexicano Carlos Armella, ganador del León Corto Cortísimo, dejaron satisfechos a la prensa.

El jurado quiso reconocer con un premio especial a la carrera del director alemán Werner Schroeter, quien presentó 'Nuit de chien', basada en la novela del uruguayo Juan Carlos Onetti.

Algunos pronósticos de la víspera fueron desmentidos, como un posible galardón al filme sobre la guerra en Irak 'The hurt locker', de la estadounidense Kathryn Bigelow, que narra con eficacia el trabajo heroico de un grupo de artificieros estadounideneses. La ambigüedad de la película, que condena en forma poco explícita la guerra, pesó al parecer sobre la decisión.

Lista de los Premios otorgados en el 65o Festival de Cine de Venecia:

- León de Oro a la Mejor Película: 'The wrestler', del estadounidense Darren Aronofsky.

- Copa Volpi al Mejor Actor: el italiano Silvio Orlando, por su papel en 'El papá de Giovanna'.

- Copa Volpi a la Mejor Actriz: la francesa Dominique Blanc, por su papel en 'L'autre'.

- León de Plata-Premio a la Mejor Dirección: el ruso Aleksey German Junior, por 'Paper soldier'.

- Premio Especial del Jurado: el etíope Haile Gerima, por 'Teza'.

- León Especial del Jurado por el conjunto de su obra al cineasta alemán Werner Schroeter.

- Premio Marcello Mastroianni al mejor joven actor: la estadounidense Jennifer Lawrence, por su papel en 'The burning plain', de Guillermo Arriaga.

- Premio Osella al mejor guión: el etíope Haile Gerima, por 'Teza'

- Premio Osella a la mejor fotografía: los rusos Alisher Khamidhojaev y Maxim Drozdov, por 'Paper soldier'.

http://afp.google.com/

Posicionamiento Chile

Mickey Rourke regresa al cine con aclamado papel de luchador

viernes 5 de septiembre de 2008 13:36 GYT

VENECIA (Reuters) - Mickey Rourke regresa a la gran pantalla con la aclamada interpretación de un solitario y acabado luchador cuya triste vida recuerda a la del polémico actor de Hollywood.

"The Wrestler," dirigida por Darren Aronofsky, es el último de los 21 filmes en competición que se estrena en el Festival de Cine de Venecia.

La emotiva historia sobre el aislamiento personal y declive profesional de un hombre fue inmediatamente señalada como una de las favoritas para llevarse el León de Oro a la mejor película, así como el premio al mejor actor para Rourke.

Rourke, que pasó gran parte de los últimos 15 años sin apenas actuar y tiene fama de ser difícil y volátil en los rodajes, dijo que su papel en "The Wrestler," que le supuso un desafío físico y emocional, era el mejor que ha hecho hasta ahora.

"Puedo decir honestamente y ahora mismo que esta es la mejor jodida película que he hecho nunca," dijo en una entrevista con Reuters el actor que, según su biografía, tiene 51 años.

"Ha sido más duro que tres de las películas más difíciles que he hecho: '9-1/2 Weeks', 'Angel Heart' y 'Year of the Dragon,"' agregó.

Para lograr el volumen físico que necesitaba, Rourke debió entrenarse duramente en un gimnasio de Miami.

También trabajó con luchadores profesionales para las escenas del cuadrilátero, una labor complicada por el hecho de que Rourke ha sido entrenado como boxeador.

Los paralelismos entre la conflictiva vida privada y profesional de Rourke y su personaje de Randy "The Ram" Robinson no pasarán desapercibidos para el público.

Rourke explicó que en un momento dado fue sustituido en el papel protagónico por una gran estrella de Hollywood, pero lo volvieron a llamar cuando el actor, al que no mencionó, decidió retirarse del proyecto.

"Hubo parte de mí que dijo ¿sabes qué? Si quiero retomar mi carrera y tener realmente una oportunidad de demostrar lo que debería haber hecho hace 15 años, este (Aronofsky) es el hombre que lo va a conseguir," dijo el actor, cuya cara lleva las marcas de operaciones por varias lesiones en peleas.

El actor dijo que el personaje de Randy, que lucha por sobrevivir en un mundo de hombres más jóvenes, refleja el rechazo que él mismo experimentó a menudo como actor.

La crítica parece haberle dado la razón en su elección del personaje.

"Rourke crea un electrizante, divertido y muy emotivo retrato que instantáneamente ocupa un lugar entre las grandes interpretaciones del cine," escribió Todd McCarthy en Variety.

http://lta.reuters.com/

Posicionamiento Chile

Banderas y Streep serán los premios Donostia en San Sebastián

El director del festival quiere conjugar el cine "taquillero" y el "más radical y arriesgado"

Efe / San Sebastián | Actualizado 06.09.2008

Meryl Streep y Antonio Banderas recibirán el Premio Donostia de la quincuagésima sexta edición del Festival de Cine de San Sebastián, en una edición de "criterios abiertos y carentes de prejuicios" para acercarse al cine "más taquillero" y también "al más radical y arriesgado", según el director del certamen, Mikel Olaciregui.

Banderas, que protagoniza junto a Liam Neeson y Laura Linney la película con la que se inaugurará el Festival el próximo día 18, The other man, del británico Richard Eyre, es el tercer actor español, tras Fernando Fernán-Gómez (1999) y Francisco Rabal (2001), que recibirá este premio, con el que se distingue su trayectoria en el mundo del cine, de la que Olaciregui ha podido destacar su "versatilidad". Se ha referido también a sus facetas como productor y director y a su paso por el teatro.

De Meryl Streep subrayó el responsable del certamen donostiarra su capacidad para convertir sus personajes "de gran fuerza y personalidad" en "inolvidables", y sus cualidades como actriz dramática y de comedia. "Es la mejor actriz contemporánea en activo", aseguró.

Olaciregui anunció también los nombres de los miembros que acompañarán a Jonathan Demme, director de El silencio de los corderos y presidente del jurado. Junto a él, decidirán el palmarés oficial el alemán Michael Ballhaus, la argentina Martina Gusman, el japonés Masato Harada, la libanesa Nadine Labaki, la tanzanesa Clare Peploe y la española Leonor Watling.

http://www.diariodesevilla.es/

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